Суриков

Картина «Старик-огородник» является отличным примером сельского портрета. Суриков предпочитал писать картины на исторические сюжеты, но если мастер решался изобразить простого сельского человека, то вкладывал в эту работу всю свою душу. Перед нами крестьянин. Его седая, вьючная борода и выгоревшие на солнце волосы помогают понять нам, что этот человек прожил уже довольно много лет. Сразу понятно, что Суриков с теплотой и сочувствием относится к тяжелому крестьянскому труду.

На мужчине грязная, старая одежда. Белая, подпоясанная темной веревкой, рубашка, темные широкие штаны. Обуви нет, видимо, это слишком большая роскошь для бедного крестьянина. Ноги грубые, грязные, но уверенно стоят на земле.

Мужчина встал против солнца и рукой пытается прикрыть глаза от яркого, палящего света. Его кожа совсем потемнела от постоянного пребывания под солнечными лучами.

Взгляд мужчины направлен вперед, но мы не знаем, что там находится. Возможно, он оглядывает свой огород и с печалью думает о том, сколько еще работы ему предстоит выполнить.

Справа от человеческой фигуры изображены растения. Вероятно, это молодые побеги корнеплодов, которые старательно были высажены на грядки. Совсем скоро придется снова отправляться на работу, чтобы собирать урожай. За мужчиной располагается небольшой стог сена, который предусмотрительно накрыли мешковиной. Вдаль уходят необъятные поля и небольшой островок деревьев, который защищает урожай от ветров.

Суриков отказался от нереальности цветового решения. Все цвета очень натуральные, природные. Тщательная прорисовка драпировки ткани придает картине дополнительную рельефность.

 

 

   “Настоящая красота не нуждается в украшениях”, – именно такая мысль приходит в голову зрителю перед портретом. Суриков предпочитал искать образы для своих работ среди земляков в Сибири. Вот и здесь перед нами яркая, полная жизни и энергии сибирячка.

Молодая женщина в русском наряде излучает радость и теплоту. В черных глазах, полных озорства, светится счастье. Яркий румянец и белозубая улыбка довершают общее впечатление от работы.

Костюм подобран с недюжинным вкусом. Черный, шитый золотом, сарафан, белоснежная рубашка, белый платок с золотой вышивкой. Ансамбль черного, белого и золотого – сдержанно, изысканно, нарядно. Темный фон делает образ еще ярче. Мягкий свет равномерно освещает модель, ничего не выделяя.

Воспевая природную женскую красоту, автор считает ненужным дополнять образ аксессуарами, которые возможно полнее раскрыли бы внутренний мир героини, но усложнили бы содержание. Художник очень точно создает обобщенный образ русской красавицы: веселой, свободной, сильной.

Сам процесс позирования предстает перед зрителем, как баловство, забава. О чем говорит нарочито “народная” манера повязывать платок. Ирония автора не заслоняет от нас главного – красоту и естественность героини.

Айвазовский

 

Картина И. Айвазовского “Девятый вал” – одна из самых известных его картин.

Я вижу, что на ней художник изобразил бушующий океан. Волна быстрыми темпами надвигается на обломки корабля, который потерпел крушение. На этом обломке еще остались люди, которые пережили эту трагедию. Они ведут неравную борьбу со стихией.

Но эта борьба им не под силу, ведь, как только отступает одна волна, надвигается другая. Люди очень напуганы, у них совсем не осталось сил.

Пробираются лучи восходящего солнца, они придают воде желтоватый оттенок. Небо в этот момент изображено также очень насыщенно, что характерно для грозовых туч. Волны изображены на картине разными цветами. Художник использовал разнообразную палитру.

Здесь и синий цвет, и фиолетовый, и цвет морской волны. Все морские оттенки он отобразил одновременно в одной своей работе, что придает ей большую насыщенность красок.

Я думаю, что И. Айвазовский хотел показать этим произведением всю силу морской стихии, что человеку или даже нескольким людям не справиться с ее натиском. Их борьба будет идти до последнего, каждую секунду они будут совершать буквально подвиг, но им не выстоять в этой неравной схватке с разбушевавшейся природой. Морские волны сметают все на своем пути, не щадя никого и ничего.

Для стихии нет никаких преград. Но вера людей не оставляет их ни на минуту, несмотря на то, что помощь не придет.

Хотелось бы отметить, что Айвазовский – признанный мастер изображения морских пейзажей. Эта картина, также как и его многие другие, пронизана сильными эмоциями. Кроме этого, автор показывает себя и как человек, стремящийся понять людей, их мысли, стремления.

Я думаю, И. Айвазовский показывает, что героизм людей зачастую проявляется в самых непредсказуемых ситуациях. Ему удалось в одном произведении показать не только удивительное природное явление, но и чувства, которые испытывают люди, которые попали в такие условия.

 

 

 

Великий русский маринист Айвазовский в ответ на заявления критиков о его уже устаревшей манере творчества в 1873 году написал картину «Радуга», которая ознаменовала новый период в его творчестве.

Это только с первого взгляда перед зрителем возникает характерное для Айвазовского крушение парусника на полотне. Но эта картина существенно отличается от созданных ранее шедевров живописца. Не оставляя своих излюбленных приемов, автор, успешно модернизирует их, особенно колорит полотна.

В центре холста — корабль, потерпевший крушение у скал. На шлюпке уходят моряки, пытаясь спастись. Сильным ветром брызгами воды размывается силуэт потерпевшего крушение корабля и береговой линии. Суровое грозовое небо практически соединилось со стихией океана.

Яркие и сочные цветовые решения, которыми раньше так увлекался мастер, в этой картине уже сменились оттенками более спокойными, сдержанными, хорошо отработанными. Колоритность работы отличается особенной изысканностью оттенков и переходов. А солнечный свет, который сверху будто пронзает весь штормовой хаос, создает живую радугу, светлую, чарующую и нежную. Она предвещает чудо — спасение. Паническое состояние моряков на шлюпке, переходит в радостное оживление. Один человек с благодарностью поднимает руки к Богу.

Можно отметить, что чувственное восприятие картины в общем позитивное, жизнерадостное. Айвазовский изобразил победу моряков в смертной схватке с природной стихией. А радугу он использует в качестве светлого символа спасения, так называемого последнего лучика надежды. Можно ее рассматривать и в качестве библейского символа спасения всего человечества. Невзирая на очевидную романтическую направленность, «Радуга» уже гораздо ближе к реализму.

Шишкин

При первом взгляде на картину появляется впечатление, что она живая. Так написать художественное полотно мог только живописец, тонко чувствующий живую природу. Картина предает нам чувства и эмоции, резвящихся поутру, медвежат. Кажется как будто это вовсе не дикие лесные звери, а маленькие домашние питомцы вышли поиграть на поляну.

На переднем фоне своего произведения Шишкин изобразил маленьких медведей. Двое из них уже вскарабкались на упавшее дерево, третий медвежонок пытается к ним присоединиться. Последний медвежонок предпочитает одиночество. Он отошел в сторонку от своих братьев и смотрит куда — то вдаль. На заднем фоне картины художник изобразил лес и опускающийся на землю туман.

Складывается впечатление, будто это не обычные деревья, а волшебные живые существа. В какой — то момент картина начинает казаться сказочной.

В своем произведении Шишкин демонстрирует любовь и привязанность к природе, показывая всю ее неповторимую красоту.

Существует несколько вариантов истории создания картины. Некоторые считают, что идею пейзажа Шишкину подсказал Савицкий. Изначально на полотне был изображен только волшебный утренний лес, а медвежат дорисовал уже потом Савицкий. Когда картина стала известна, и ее приобрел Третьяков, художник Савицкий не предъявлял на не авторские права. К тому же Третьяков заявил, что покупал картину Шишкина. Именно так он и стал единственным автором произведения.

Существует и другая версия. Когда Шишкин писал картину, он пытался показать глубину и мощность русского леса. Изначально предполагалось, что по лесу будут гулять зайцы, но они вряд ли могли передать задумку автора. Поэтому и появились на пейзаже медведи. Но эти истории появления знаменитого русского художественного произведения полностью ни кем не обоснованы. И как на самом деле создавался пейзаж до сих пор остается загадкой.

 

 

На картине “Дубовая роща” изображен яркий солнечный день в дубовом лесу. Мощные, развесистые, немые свидетели смены веков и поколений поражают своим великолепием. Тщательно прорисованные детали настолько приближают картину к естественности, что иногда забываешь о том, что этот лес написан маслом и в него нельзя войти.

Озорные солнечные пятнышки на траве, освещенные кроны и стволы вековых дубов словно бы излучают тепло, пробуждая в душе воспоминания о жизнерадостном лете. Несмотря на то, что изображенные на картине дубы уже обзавелись ссохшимися ветками, их стволы изогнулись, а кора в некоторых местах облупилась, кроны их по-прежнему зелены и пышны. И невольно задумываешься о том, что эти дубы будут способны простоять еще не одну сотню лет.

Примечательно, что путь Шишкина от идеи написания Дубовой рощи до первых мазков кисти в пейзаже составил три десятка лет! Именно столько времени понадобилось, чтобы у художника сформировалось видение этого монументального полотна, и это время было потрачено не зря. Картину дубовая роща нередко называют лучшим произведением гениального художника.

Васнецов

На картине “Богатыри” изображены три русских богатыря: Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алёша Попович – знаменитые герои народных былин.

Исполинские фигуры богатырей и их коней, расположенные на переднем плане картины, символизируют силу и мощь русского народа. Этому впечатлению способствуют и внушительные размеры картины – 295х446 см.

Над созданием этой картины художник работал почти 30 лет. В 1871 году был создан первый набросок сюжета в карандаше, и с тех пор художник увлёкся идеей создания этой картины. В 1876 году был сделан знаменитый эскиз с уже найденной основой композиционного решения. Работа над самой картиной длилась с 1881 по 1898 год. Готовая картина была куплена П.Третьяковым, и до сих пор она украшает Государственную Третьяковскую галерею в Москве.

В центре картины изображён Илья Муромец, народный любимец, герой русских былин. Не всем известно, что Илья Муромец не сказочный персонаж, а реальное историческое лицо. История его жизни и ратных подвигов – это реальные события. Впоследствии, закончив свои труды по охране родины, он стал монахом Киево-Печёрского монастыря. Был причислен к лику святых. Васнецов эти факты знал, создавая образ Ильи Муромца. “Матёр человек Илья Муромец” – говорит былина. А на картине Васнецова мы видим могучего воина и при том бесхитростного открытого человека. В нём сочетаются исполинская сила и великодушие. “А конь под Ильёй лютый зверь” – продолжает сказание. Мощная фигура коня, изображённого на картине с массивной металлической цепью вместо упряжки, свидетельствует об этом.

Добрыня Никитич по народным преданиям был очень образованным и мужественным человеком. С его личностью связано много чудес, например, заговорённая броня на его плечах, волшебный меч-кладенец. Добрыня изображён таким как и в былинах – величавым, с тонкими, благородными чертами лица, подчёркивающими его культурность, образованность, решительно вынимающий меч из ножен с готовностью броситься в бой, защищая свою родину.

Алёша Попович по сравнению с товарищами молод и строен. Он изображён с луком и стрелами в руках, но прикреплённые к седлу гусли свидетельствуют о том, что он не только бесстрашный воин, но и гусляр, песенник, весельчак. В картине много таких деталей, которые характеризуют образы её персонажей.

Упряжки коней, одежда, амуниция не вымышленные. Такие образцы художник видел в музеях и читал их описания в исторической литературе. Художник мастерски передаёт состояние природы, как бы предвещающей о наступлении опасности. Но богатыри представляют собой надёжную и мощную силу защитников родной земли.

В центре картины изображена прекрасная юная девушка, которая сидит на камне у заросшего озера. От изнеможения и глубокой грусти она опустила голову на колени, а в выражении ее глаз можно прочитать, что силы уже на исходе и она вот-вот расплачется. В ее грустных глазах изображена вся глубина неимоверной печали. Ее длинные растрепанные волосы свисают в разные стороны. А ситцевый сарафан изорван. Видимо ей пришлось очень много и не жалея себя бродить по дремучему лесу в поисках своего пропавшего брата. Босые ноги еще больше усиливают понимание того, что она забыла о себе и вообще, обо всем на свете и ей сейчас важно только одно – найти своего братца Иванушку.

На картине запечатлена минута отдыха и умиротворения, даже сама природа в этом солидарна. Ровная гладь озера, совершенно спокойные деревья, даже верхушки их не шелохнутся. Время года, изображенное на картине – позднее лето. Еще стоит совершенно зеленый камыш на краю озера, на втором плане картины изображены зеленые молодые березки и осины. А в глубине леса виднеются молодые елки с хорошо отросшими за лето верхушками. Однако на глади озера уже лежат первые опавшие листочки, значит скоро осень.

Картина «Алёнушка» навевает грусть, очень жаль бедную девушку. Мастер изобразил событие очень проникновенно и реалистично. Полотно написано, в основном в зеленых красках. Картина настолько яркая что, кажется, вот-вот оживет и предстанет в реальности и девушка, и лес, и озеро. Критики того времени называли эту работу В. М. Васнецова одной из лучших картин русской школы.

Иванов

На переднем плане полотна изображены иудеи, которые пришли креститься в реке Иордан вместе с Иоанном Крестителем. Но его крещение не несло за собой отпущение грехов. Иванов изобразил всех персонажей в точности с библейским описанием.

Иоанн указывает в пустыню, оповещая и ликуя, что идет Спаситель, который несет в себе истину и даст им новые знания. Иоанн Креститель является центральным образом на полотне. Христа можно рассмотреть при детальном изучении. Его лицо наполнено светом, истиной, спокойствием и благодатью.

Вокруг Иоанна находится много людей в пестрых одеждах, среди них будущие апостолы, и ученики Христа. В самом центре полотна изображен богатый сидящий человек со своим рабом. Иванов написал это не просто так, а с целью будущего нравственного перерождения человека, которое проявиться после того, как Христос начнет проповедовать истину.

Среди толпы есть и негативно настроенные иудейские священники и книжники. Также в правой части мы можем видеть «дрожащих» — это полуобнаженные люди, которые приняли омовение и ждут учения. На горизонте раскинулись красивые горы. Местность вокруг каменистая и лишь у воды растут деревья. Можно видеть на холме толпу людей, ожидающую крещения и слушающую пророка.

Полотно «Явление Христа Народу» стало не только делом жизни Иванова, но и историческим и религиозным достоянием нашей страны.

 

Иванов приступил к работе над «репетиционным» полотном перед созданием «Явления Христа народу». Он изобразил на холсте две фигуры: Иисуса и Марии Магдалины.

Композиция картины отличается одухотворенной простотой, фигуры персонажей скульптурные, канонически красивые, пластичные. Изображены Христос и Магдалина повернутыми фронтально, для удобства созерцания выражений лиц и передачи их душевных переживаний.

Фигура Христа написана в идеальных пропорциях, изящно проработаны складки белого одеяния. На Марии Магдалине пламенно красное платье. Таким противопоставлением художник выразил разность сфер, в которых пребывают человеческое существо и божественное. Белая ткань на теле Иисуса светится, переливается как жемчуг и перламутр, голубовато-золотистая, она напоминает о небесных заоблачных сферах.

Магдалина показана приземленной, одной ногой стоящей на коленке, протягивает руку к любимому Спасителю. Христос спокойным, но строгим жестом сдерживает сильный душевный порыв ученицы. Иванову удалось передать любовь Иисуса и смесь душевных переживаний Марии при встрече с ним: боль от его смерти, восторг от возвращения и надежда на скорое счастье.

За полотно живописцу подарили звание академика.